Barn Owl: el vuelo del búho fantasma.

Barn Owl: el vuelo del búho fantasma
por  Rafa Villegas

Conversamos con Jon Porras y Evan Caminiti, mejor conocidos como Barn Owl. El dueto lanzó la segunda mitad del 2011 los álbumes Shadowland y Lost in the Glare para el sello Thrill Jockey. Dentro de esta tradición de redefinir el doom metal que abanderan bandas como Barn Owl, Sun O))) o Earth, lo de Barn Owl encuentra su camino propia bebiendo de diferentes remansos musicales de la tradición norteamericana. Pero dejémos que sean ellos quienes hablen de lo que hacen.

RV: ¿De dónde viene el nombre “Barn Owl?

Jon Porras: De un libro que Evan y yo leíamos cuando nos conocimos

Evan Caminiti: La lechuza tiende en el folclor a ser significada como un oscuro presagio. Esa es la idea principal, también se les llama ‘búhos fantasma “. Siempre he tenido sueños realmente apocalípticos,  por lo que se vincula bien con eso también.

RV Platíquenme cómo cambiaron su centro de interés del metal hacia algo más drone. Tambien quisiera que habláramos sobre los lazos que unen a la drone music, la sicodelia y el metal.

JP: Nuestros intereses e inspiraciones siempre están en cambio, moviéndose. Es bueno esforzarnos y probar cosas nuevas, experimentar con otros sonidos. La conexión entre el metal y el drone ya estaba en su lugar cuando comenzamos a tocar, pero creo que hemos hecho un esfuerzo consciente de incorporar Americana y Blues en nuestro sonido

EC: Bueno, esta transición tomó años y era sólo una cuestión de maduración, de búsqueda por cosas nuevas en la música y de estar en San Francisco, donde la música experimental y outsider es de fácil acceso. Yo me crié en un pueblo pequeño, por lo que era más difícil estar expuesto a la música drone, generalmente lanzada en grabaciones de pequeños tirajes – especialmente antes, cuando no todo estaba disponible en línea tan fácilmente.

JP: El metal, el drone y la música sicoélica se relacionan en su uso del espacio. Esos tres tipos de música emplean un sentido de profundidad construido por capas y tienen la habilidad de llenar un cuarto con su presencia física. Hay también una cualidad de visceralidad en estas músicas que te permite sentir esos sonidos bajos rugiendo y una riquesas de tonos armónicos sobreponiéndose.

EC: Creo que el lazo es el volumen físico de estos tres tipos de música, todas ellas pueden producir un tipo visceral y gnóstico de revelación cuando se ejecutan en vivo. No es que busquemos conscientemente acercarnos a ese enlace cuando tocamos música -nosotros hacemos el tipo de sonido que que queremos escuchar y termina siendo uno que hermana esas influencias dispersas.

RV ¿Qué les representa actualmente la idea de “música sicodélica”?

EC: Para mí, la música sicodélica se trata de encontrar una definición realmente personal de espiritualidad fuera de un pensamiento dogmático. Realmente no la veo como algo relacionado con las drogas o con toda la cosa jipi. Es música que te hace ver las cosas de una nueva manera.

JP: En relación a cómo eran las cosas hace 40 años, creo que la música sicodélica representa algo diferente. Actualmente hoy busca imitar  a través del sonido, la repetición y el volumen, la sensación de estar drogado. En lugar de tomar drogas para habilitar cierta música, intentamos hacer música que habilite un cambio en la percepción.

11 Turiya 1 – Barn Owl by afterpop.tv

RV La gente de su disquera dice que ustedes siguen los pasos de Alice Coltrane, Keiji Haino y Black Sabbath.

EC: Yo creo que la biografía fue escrita por alguien que había leído entrevistas previas con nosotros donde hablábamos sobre la música que nos gusta escuchar. Tan diferentes como son esos artistas unos del otro, son algunas de las mayores fuentes de inspiración. Hay tal vez un vínculo más fuerte entre Haino y Coltrane -ambos crean música que yo consideraría muy cósmica, pero de diferentes maneras. Ambos exploran el potencial mágicko y trascendental de la música. Sabbath por otro lado adoptó un enfoque menos vanguardista, pero la pesadez e innovación de sus primeros trabajos es un logro monumental.

JP: En primer lugar, compararnos con esos músicos es un cumplido mayor. Creo sin duda que tratamos de tomar el humor de blues obscurecido de Sabbath e interpretar ese sonido a través de un lente mínimalista. Como artistas, tanto Alice Coltrane y Haino se entregan a una fuerza creativa más allá de sí mismos. Este papel del artista como un conducto, o este reconocimiento de un poder más allá infunde un profundo sentido de misterio en su música. El arte debería evocar el misterio. Es lo que nos mantiene haciéndonos preguntas y nos recuerda lo poco que realmente sabemos acerca de la realidad y el mundo que nos rodea. Coltrane y Haino también tienen fluidos estilos de improvisación que son una gran fuente de inspiración.

RV: Hablando de la tradición norteamericana. ¿Qué les representan las teorías y los trabajos musicales de Pauline Oliveros? Estoy pensando obviamente del Deep Listening y la relación que podría tener con la música drone actual

JP: Sí, el concepto de Deep Listening ha sido muy importante en cómo nos acercamos a la composición e improvisación. Jugar con la paciencia y la concentración es integral para nuestro sonido y la Deep Listening Band ha jugado un papel influyente en nuestra música.

EC: Definitivamente somos fans de ella, de la DLB y nos acercamos a la creación musical en un modo similar.

RV: De los compositores americanos minimalistas o de los american mavericks ¿se sienten identificado con alguno?

EC: Creo que Terry Riley y La Monte Young me inspiraron a empezar a hacer música minimalista -principalmente por cómo su música se mantiene de pie por sí misma y por que ambos vienen de la tradición de la Costa Oeste -incluso fuimos a la misma escuela que Terry Riley, San Francisco State. Y Riley y Young se conocieron en Berkeley, así que está esta cosa del sentido de tradición y orgullo hacia el minimalismo americano de la costa oeste, aunque quizás todo esté en mi cabeza. De cualquier modo, lo mejor del trabajo de Young se hizo en Nueva York.

JP: Yo me siento conectado con Henry Flynt. Sobre todo por que intentó hacer una fuerte conexión entre el minimalismo americano y la música de las raíces americanas.

RV: He leído que ustedes toman algo de inspiración de la tradición musical hindú, en la que “ragas específicas tienen que ser tocadas en diferentes momentos del día” hablando de Shadowland (EP) y Lost in the Glare (LP) ¿cuáles son los mejores momentos para escuchar el LP y el EP y por qué? Como creadores de ambas obras ¿qué tipo de imágenes les crean ambos trabajos?

JP: Sin duda dejamos las interpretaciones visuales al escucha, pero a menudo asocio ambos discos con la noche. Con Shadowland pensábamos en sombras azulosas profundas. Para mí, hay momentos de Lost in the Glare  que son profundamente nocturnos. Y otros van más para arriba, como con el tipo de cualidades de la luz blanca

EC: Yo pienso que Shadowland es un disco extremadamente nocturno, mientras que Lost in the Glare podría compararse más con un ciclo de ragas del día -algunas piezas evocan más un sentimiento de amanecer o de crepúsculo, en complemento con temas más nocturnos.

RV: Nómbrenme algunos guitarristas que los hayan inspirado….

EC Loren Connors, Keiji Haino.  Bill Orcutt  me ha estado matando últimamente. Pienso que lo que hace a esa gente inspiradora es su habilidad para canalizar algo de más allá. Comunican con la guitarra algo más que notas.

JP: La respuesta cambia siempre, últimamente he estado escuchando mucho a Clarence White, un músico de telecaster que trabajó básicamente como músico de sesión en la escena country de los sesenta. Tocaba con una aparatillo llamado b-bender que le permitía jalar la cuerda b arriba o abajo creando un sonido similar al de una pedal steel. También somos muy fans de Neil Young.

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